Иван Золото — о творческих приемах в экстремальных жанрах

Экспериментальный музыкант и владелец лейбла School of the Arts Иван Золото рассказал зрителям вебинара ИМИ о том, как экстремальные жанры помогают артисту выйти за рамки привычного продакшена, отступить от привычных представлений о релизах и сделать музыку интереснее. Под экстремальными жанрами Иван понимает разные направления: от классической индийской музыки до нойза и метала. Понятие «экстремальный» в данном случае не всегда касается громкости или скорости трека, в своем вебинаре он в первую очередь говорит о странных, непонятных и шумных композициях, полных нестандартных идей. Мы собрали главные примеры и творческие приемы из мира нойза, хардкора, блэк-метала, джангла и других радикальных направлений. Посмотреть вебинар целиком можно на нашем YouTube-канале. 

Не бойтесь выходить за рамки музыки

С точки зрения физики или биологии для нашего слуха совершенно нет разницы между шумом и музыкой. Вся информация, поступающая в ухо, — это шум. Получив сигнал, наш мозг сам отвечает на вопрос «Можно ли назвать это настоящей музыкой?». И этот же самый вопрос не только иногда приводит нас в замешательство, но и становится причиной бесконечных споров среди музыкантов. Представители разных сфер и жанров, будь то, например, фолк, академическая музыка, электронный жанр или рэп, имеют полное право не понимать друг друга. Но я считаю, что самые интересные решения с точки зрения музыки и музыкальной индустрии рождаются там, где музыканты разных жанров проявляют взаимный интерес. 

Работая над композицией, пробуйте играть с экстрамузыкальными элементами, то есть с элементами треков, не имеющими никакого отношения к музыке. Это могут быть спецэффекты, посторонние шумы, звуки взрывов, записанные разговоры людей и что только не. Вставьте в часть композиции элементы, создающие у слушателя ощущение фильма, играющего у него в наушниках. Добиться этой синестезии хоть и трудно, но возможно практически в любом жанре.  

Создавайте атмосферу внутри трека

Атмосфера музыкальной композиции может создаваться разными путями: вы можете добавить определенные мелодии, сместить ритм, использовать немузыкальные элементы или определенную тематику в продакшене. Например, смещение удара по тарелке позволит создать ощущение движения вперед, тексты песен и образ артиста передадут определенное настроение, а выбор, например, готической тематики погрузит слушателя в атмосферу мистического фэнтези. Ярким примером атмосферности в практическом применении служит главная тема сериала «Твин Пикс»: с музыкальной точки зрения в ней есть только максимально простая гармония и мелодия — любой может повторить ее на своем инструменте. Но главная ценность этой музыки в том, что она создает атмосферу. 

На мой взгляд, любому музыканту периодически нужно делать такое упражнение: брать свой авторский трек и отсекать от него музыкальные элементы до тех пор, пока не останется только атмосфера. Пусть это будут только два аккорда без мелодии: правильно выбранная гармония может создать даже более мощную атмосферу, чем дополнительные музыкальные элементы. Другое упражнение, которое я могу посоветовать, полностью противоположное: оставьте музыку как есть и попробуйте нагрузить ее атмосферой при помощи немузыкальных средств: например, снимите жесткий клип на светлую песню, используйте нестандартный семпл, напишите мрачный текст к веселой музыке.

Пример такого подхода — трек «Где бы ты ни был» Синекдохи Монток. Это очень красивая песня с современным попсовым клипом и текстом на тему абортов. Такая коллизия создает уникальную атмосферу, становится фирменным знаком Синекдохи Монток: даже если другой сонграйтер решит закосить под него, он не сможет точь-в-точь повторить атмосферу. 

Добавьте музыке идеологию

По сути, любой человек обладает своей идеологией, поэтому ваш образ жизни и ваши ценности всегда транслируются в творчество, хотите вы того или нет. Вы можете говорить про политику, личный выбор, социально-классовую борьбу, про что угодно: идеология одновременно возвышает вашу музыку, делает ее сложнее для восприятия и сплачивает вас со слушателем. Попробуйте утрировать свои идеи на музыкальном уровне, используйте интересные сложные метафоры в тексте, чтобы донести свою идею на уровне слов, интегрируйте ее в мерч. 

Хороший пример сочетания идеологии и музыки — канадская построк-группа «Godspeed You! Black Emperor». Во время каждого тура по Канаде и США они всегда выбирают идейно близкий книжный магазин и везут с собой его продукцию в качестве мерча. На концертах у них стоит сразу два стола: один — с мерчем группы, а другой — с книгами. Это вполне понятное и простое заявление: группа не навязывает свою идеологию посетителям, но предлагает ознакомиться с ней ненавязчивым способом. 

Экспериментируйте со скоростью

Обычно, когда мы говорим про экстремальные жанры в музыке, мы подразумеваем либо очень быстрый, либо, наоборот, слишком медленный темп. Под «быстрой» музыкой подразумевают, например, грайндкор, блэк- и дэт-метал, разные формы электроники, джангл. Под «медленной» — дум- и сладж-метал, дрон. 

Один из любопытнейших примеров «медленной» современной музыки — творчество немецкой нуар-джаз-группы Bohren & Der Club Of Gore. Ее участники играли в метал-группах, но в какой-то момент решили попробовать исполнять очень медленный джаз. Послушайте их альбом «Dolores»: там есть треки, которые опускаются до 30 bpm в минуту, и слушатель чувствует, как эта музыка дышит, как гудят аккорды, как каждый удар по малому барабану доставляет невероятные ощущения и формирует атмосферу. 

Как применить такой подход в своей музыке? Возьмите любую композицию, попробуйте ее сыграть гораздо быстрее, чем она того требует, и гораздо медленнее. Вы удивитесь, насколько по-другому раскроются звуки инструментов. Также попробуйте поиграть с half-time и double-time: наложите очень медленный бас поверх быстрых барабанов, как, например, в драм-н-бэйсе, либо, наоборот, очень скоростную мелодию поверх медленной ритм-секции.

Жутко громко, запредельно тихо

Есть два радикальных направления, в которых может двигаться экстремальная музыка: либо очень громкий, либо тихий звук. Как правило, многие музыканты склоняются к первому, и напрасно: тихое звучание может быть не менее эффектным. Очень громкие части начинают хорошо работать, когда перед ними есть тихие моменты. 

Попробуйте сравнить любую последнюю работу Four Tet и русский рэп-трек: вы услышите, что треки британского электронного музыканта зачастую звучат громче и качают сильнее перегруженного звука рэперов. Перекомпрессированный звук далеко не гарантирует эффекта мощности, эффекта панча. Например, чтобы бас сделал панч, перед ним должно быть пространство, тишина.  

То же самое и с динамикой: вспомните хотя бы оглушающие моменты в «The Dark Side of The Moon» Pink Floyd. Этой динамики невозможно добиться, если сделать весь продакшен перегруженным. 

Иногда тихие моменты в музыке доводятся до абсурда: взять хотя бы знаменитую композицию Кейджа «Четыре минуты тридцать три секунды»: ее суть заключается в том, что перед зрителями сидит оркестр и четыре минуты тридцать три секунды ничего не делает. Люди в зрительном зале слушают звук зрительного зала. Сочетание тихих звуков дает ощущение интимности, динамики. 

Экспериментируя со звуком на практике, вы можете для начала убрать все компрессоры и максимайзеры. В целом я рекомендую отказаться от максимайзеров вообще и довериться хорошим мастеринг-инженерам. Поверьте, если музыка будет звучать динамично, если она сможет закрадываться в самое сердце разными аспектами громкости и динамики, она будет производить на слушателя куда большее впечатление. 

Другой практический совет — попробуйте слушать свою музыку на очень маленькой громкости. Этот трюк используют, наверное, все мои знакомые инженеры по сведению и мастерингу: если что-то звучит круто на большой громкости, то оно останется таким и на маленькой. 

А еще попробуйте сделать наоборот: максимально все пережмите, закомпрессируйте трек и повесьте дисторшн или фузз на мастер вне зависимости от того, в каком жанре вы играете. Это подход от обратного, такой трюк может привести к необычным результатам. 

Кроме того, рекомендую послушать свои треки на очень большой стереосистеме: в клубе, на стадионе. Вы услышите их по-новому. Это невероятное ощущение, после которого вы будете совсем по-другому сводить и мастерить свою музыку.

Переходите на новые частоты

Радикальное отношение к частотам характерно для рок-звука, в котором часто звучат практически одни средние частоты. Такое отношение к звуку расцвело, на мой взгляд, в девяностые, когда появились разновидности постхардкора, гранж и гитарные риффы являлись, по сути, основой песни, а все добавочные элементы в виде барабанов, баса, вокала отходили на второй план. 

При этом в мире электронной музыки появилось такое явление, как bass culture. Самым ярким ее примером, пожалуй, является джангл, когда звучит джаз-фанковый брейк из барабанов, а поверх этого — супермощный дабовый бас в halftime или даже в одну четвертую темпа барабанов. 

Интересное использование низких частот можно услышать в разных вариантах метала: например, в блэк-метале сочетание темного звука барабанов, мощного баса и очень низкого вокала создает другое ощущение давления.

Японский артист Рёдзи Икеда зачастую делает упор на настолько высокие частоты, что их даже не регистрирует слух: ты слышишь писк, будто бы музыка искрится и блестит. В этой музыке есть настолько высокие частоты, что они создают странные психоакустические эффекты.

Работая над своей музыкой, попробуйте не заполнять весь частотный спектр: например, уберите из него бас полностью, издайте композицию, где у вас есть только средние и высокие частоты. Подумайте, какую роль играет бас в вашей музыке в принципе и можно ли передать его эффект при помощи средних частот. Также пробуйте убрать какой-то один спектр и изолировать два других. Так вы сможете прийти к новым композиционным формам, сможете через смену аккордов или звук гитары передать то, что хотели передать при помощи баса, но у вас не до конца получалось. 

А еще делайте наоборот: заполните весь частотный спектр, от самых низких до ультравысоких частот. Добавляйте разные элементы — перкуссию, щелчки, треск. Добавляйте их в высокой частоте, которую вы вообще обычно не трогаете: это будет как минимум интересный эксперимент. 

Повторение — мать ученья

Пожалуй, ни один современный жанр не избегает повторов. Повторение — очень любопытный прием, с помощью которого можно как разнообразить свою музыку, так и, наоборот, сделать ее проще. Использование лупов в композиции прослеживается сквозь всю историю — от классической индийской музыки до популярных электронных жанров. 

Для начала попробуйте определить, какой момент в вашем треке наиболее цепляющий, понять, что именно является в песне хуком для ушей, тем моментом, когда слушатель начинает качать головой или притопывать ногой. Это не обязательно должен быть ведущий элемент: задача заключается в том, чтобы найти его и сделать основой вашего трека. Возможно, в вашей песне есть слово, которое вы пропеваете с определенной интонацией, или классный мелодический переход — попробуйте превратить его в луп, повторите его много раз. Повторяя эти элементы, вы сможете перевернуть свою композицию с ног на голову. 

Заимствуйте с умом 

Наш мир держится на семплах, но в этом вопросе очень много скользких и сложных моментов, связанных с законом. Например, в хип-хопе есть много историй, закончившихся в суде: начинающие битмейкеры зачастую плохо осведомлены о легальной стороне бизнеса и задаются вопросом авторских прав, только когда видят первый иск. 

С этой точки зрения мне интереснее говорить не о прямом, а о идеологическом семплировании, когда выбор семпла является частью философии вашего проекта. Хорошим референсом служит жанр вейпорвейв, который берет простую массовую музыку (в основном 1980-х: софт-рок, ранний мелодичный нью-вейв) и делает из нее карикатуру на корпоративный мир, карикатуру на вот эту так называемую функциональную музыку. 

Если у вас уже есть чей-то семпл и он хорошо лег в трек, попробуйте повторить его самостоятельно: спойте эту мелодию или воссоздайте ее при помощи синтезатора. Тем самым вы освободите себя от неидеологического ненамеренного семплирования. Либо попробуйте не использовать семплы вообще. 

Если вы играете на инструментах или поете, попробуйте исполнить свою песню под луп из чужой музыки. Пример такого подхода — трек «Idioteque» Radiohead. Весь трек строится на очень грубом и очень длинном семпле, абсолютно обскурной, практически нойзовой пластинки из 1970-х. То есть эта красивая мелодия — это полностью вырезанный квадрат из жесткой абстрактной электроники. Попробуйте взять грубый семпл, грубый луп из любой чужой музыки, не пытайтесь подогнать его как-то идеально. Попробуйте найти тот момент, когда ваше исполнение или ваша песня начинает работать под чужой семпл. Вы по-другому почувствуете ритмику. 

Издавайте музыку нестандартно

Первый вариант нестандартного выпуска своей музыки — отказ от студий и упор на издание записей с концертов. Одними из первых в мире поп-культуры такой подход начали применять Grateful Dead: у них была так называемая tapers scene — они не записывали альбомы в студии, просто бесконечно турили и разрешали всем фанатам делать записи на концертах. Любой зритель имел право поставить микрофон и записать свою версию кассеты. В мире существует десятки, сотни тысяч таких кассет, с большинства концертов есть не одна версия записи: кто-то стоял близко к сцене, и на записи слишком сильно бьют низы; кто-то стоял сзади, и там слышны разговоры. По сути, это не просто запись одного и того же выступления, это слепок разных ощущений от прослушивания. 

Также в экстремальных жанрах практикуется отказ от классического понятия альбома, когда артисты выпускают только синглы и короткие работы, special editions, туровые релизы и альбомы по требованию. Издавайте свои рабочие записи, как это принято в нойзе, — но только если вы довольны качеством итогового результата. 

Используйте малые уникальные тиражи с прицелом на коллекционеров, а также не бойтесь экспериментировать с релизами «по запросу»: одноразовые премьеры для конкретного покупателя — интересный нестандартный ход.

Не забывайте об упаковке

У экспериментальной музыки можно многому научиться в плане дизайна, мерча, имиджа исполнителя и перформанса. В своих творческих методах многие артисты прибегают к нестандартным методам: от полной анонимности и отказа от фото- и видеодокументации до изобретения своего собственного образа, включающего макияж и необычный мерч. 

Но ваш публичный образ не должен быть вымученным: если вы ненавидите клипы, не снимайте их; если вам некомфортно давать интервью, откажитесь от этого формата или давайте их только на своих условиях.